Nous avons tous assisté à des concerts où un artiste nous éblouit avec une technique qu’il nous semble humainement impossible d’égaler. Un phénomène qui a marqué les performances musicales à travers l’histoire est une anecdote datant de 1783, Johann Matthias Gesner décrit l’habileté de Bach comme provoquant "un effet que peu d’Orphée et moins de vingt Arions peuvent prétendre égaler. "Si la technique de ces deux grands compositeurs peut sembler totalement hors de portée, il est toutefois possible d’améliorer son propre jeu au piano et de s'en rapprocher un peu plus !
La technique est-elle indispensable pour jouer du piano ?
Cette question est fréquente, en particulier chez les débutant en piano ou bien parmi ceux qui hésitent encore à se lancer. De même que pour le solfège, cette inquiétude est récurrente dans la pratique de presque tous les instruments de musique.
Les musiciens du dix-huitième siècle nous ont appris que la musique doit avoir « quelque chose à dire » et que la technique ou « bonne exécution », est le meilleur moyen pour y arriver. Bien que la fortepiano (le piano du dix-huitième siècle) ait un toucher plus léger, plus rapide et plus sensible, c’est au piano moderne qu’est attribuée l’approche technique de la composition. Avec quelques astuces, vos chances de devenir un véritable virtuose seront accrues !
1. Le maintien
L’opinion générale concernant le corps au repos est intemporelle : les mains doivent reposer tranquillement vers le milieu du clavier, à une distance appropriée des touches, et un banc réglé à une hauteur confortable pour faciliter les mouvements. Les descriptions de Mozart et Beethoven encouragent cette posture. Quant à Türk, il nous a mis inlassablement en garde contre les expressions faciales exagérées, comme les grimaces ou les grognements.
2. La gestuelle
La plupart des concepts musicaux se développent au travers de petits mouvements (la plupart du temps délimités par des groupes de 2 à 4 notes liées ensemble) qui se combinent en différentes phrases musicales, des sections, jusqu’à former le morceau au grand complet. Et les gestes doivent être assortis à la musique.
3. Du cou jusqu’au bout des doigts
L’avant-bras doit reposer naturellement, juste dans le prolongement du bras, et de même pour la main. Le bras supporte la main, et la main les doigts. L’avant-bras déplace la main sur les côtés. Le bras entier inclus l’épaule et est utilisé pour avancer ou reculer la main afin d’atteindre les touches supérieures, et se déplacer de façon plus large sur le clavier.
4. La souplesse du poignet
Il n’y a pas de bonne gestuelle sans poignet souple. Si l’on s’en tient au conseil de Beethoven, il est possible de développer la sensation « d’impulsion musicale » lorsque l’on joue des ensembles de deux notes : « l’idée est de retirer sa main tout doucement. Pour y arriver, il faut que [ la main ] soit toujours fermement placée sur la première note, puis qu’elle soit soulevée presque verticalement [ par le poignet ] lorsque la seconde note est frappée. »
5. La position de la main sur le clavier
La meilleure solution est d’avoir la main précise. Et pour cela, il faudra que le bras soit le plus détendu possible, pour que la main le soit aussi, et que, par extension vos doigts soient plus assurés sur le clavier.
6. Les doigts
Ce sont les doigts qui font la plus grosse partie du travail, naturellement arqués et détendus. On jouera de la même façon un ré majeur en pentacorde en se plaçant sur la partie la plus éloignée des touches noires : les doigts constamment détendus, alertes, reposant légèrement sur les touches excepté s’ils doivent s’étendre pour jouer sur une plus grande intervalle.
7. Le doigté
Pour la plupart des instruments, un mauvais doigté équivaut à une fausse note. Malheureusement, pour les pianistes, il est tout à fait possible de jouer juste en passant complètement à côté du message de l’oeuvre. Le doigté est explicitement lié à la musicalité et inséparable de l’interprétation. Il occupe une fonction musicale aussi importante, voire parfois plus, que l’aspect technique. Le meilleur effet musical surpasse le plus simple choix technique. Et le meilleur moyen d’y arriver, c’est de développer un meilleur doigté, mais surtout, de faire en sorte qu’il soit adapté au morceau que vous jouez. Par exemple, appliquer un toucher legato à un morceau qui comporte beaucoup de ruptures et des mouvements articulés par différentes liaisons ne sera pas du meilleur effet.
8. La cohérence
Jouer de façon cohérente vous assurera d’obtenir les meilleurs résultats. Par exemple, si un mouvement est répété à un autre endroit du clavier et que le doigté reste le même, alors il s’agira de reproduire le même type de sonorité. Mais si la dynamique change, il s’agira de savoir mettre l’accent sur les bonnes notes.
9. La fonction structurelle
La base, c’est la ligne de basse (ou la main gauche). C’est elle qui détermine le tempo et l’énergie rythmique, donne le timing et clarifie le rythme harmonique. Écoutez le morceau et recommencez à jouer en vous concentrant sur la ligne de basse. Vous éviterez ainsi d’être débordé par les difficultés techniques.
10. La volonté
Avec la volonté de développer et d’incorporer des concepts universels issus du dix-huitième siècle vous obtiendrez un style plus facile à mettre en musique, riche en nouvelles facettes et composé d’une belle énergie sonore. Les faiblesses seront révélées mais aussi magnifiées car elles ne seront plus dissimulées par une longue ligne en legato ou des cordes frappées de façon trop pesante. Toutefois, travailler sur ces petits détails vous donnera une belle opportunité d’improviser et votre technique n’en deviendra que meilleure !
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